Text on the exhibition "Heavy Water" at Semiose Paris

by Mara Hobermann 

 

Aneta Kajzer’s paintings teeter between abstraction and figuration. Working with wide brushes and thinned oil paints, the artist uses bold sweeping strokes to mix and mingle jewel-toned hues directly on the canvas. At a certain (if unpredictable) point during her spontaneous mark-making, a subject reveals itself. A face, a body, a fish, or even Darth Vader will emerge from the gestural brushwork and, just like that, wrest the composition away from pure abstraction. Likening her own intuitive process to a cloud-watcher who finds real-world likenesses in overhead accumulations of water vapor, Kajzer literally and figuratively conjures humanoid creatures out of what Michel Tapié described in the 1950s as l’Art informel.

The works comprising Kajzer’s first solo show at Semiose, “Heavy Water,” include large and small formats whose titles hint at the representational imagery lurking within. In Alien Pool (all works, 2021) an elongated feminine form with a slender neck, drooping breasts and a mushroom-shaped head appears to be floating peacefully in blue-green water. Guiding the viewer to see the extraterrestrial being that revealed itself to her as she painted, Kajzer has added subtle but deliberate daubs of red paint denoting two eyes, a mouth and nipples. Similar simple marks—dots, smears and even small scratches—encourage anthropomorphic interpretations through the works on view. In Evil Twin the artist used her fingernail to scrape away the top layer of paint from one of two eggplant-like forms, revealing a pair of slitty blue eyes. Thin strokes of pale pink suggest the twins’ displeased grimaces. Seemingly minor in the context of the overall compositions, these precise final touches christen and crystallize the vague figures born out of Kajzer’s automatic painting.

The faces and bodies in Kajzer’s paintings are undeniable, but also appear frail and transient. So approximate are their features that they seem perpetually on the verge of dissolving into facture, thus quashing the painting’s figurative status. This visual instability is reinforced by a peculiar blend of humor and melancholia that emanates from the compositions. If Kajzer’s paintings initially come across as naive attempts at figuration using bright colors and thick brushes (sometimes as wide as a broom), the artist’s references to malaise and liminality add a level of sophistication and depth. In Happy Holidays two girls with princess Leia-style hairdos appear to be up their necks in a murky ocean while a tiny acid-green sun shines down on them through a muddy sky. The girls are cute, but something is clearly awry. Their wide faces and piercing eyes recall the devilish nature of Japanese painter Yoshitomo Nara’s young and deviant Anime-inspired protagonists. The sickly sun and the fact that the girls seem close to drowning brings an unexpected gloominess to this work’s ostensibly cheerful titular phrase. Rife with these sorts of visual and thematic contradictions, Kajzer’s paintings describe a universe where standard binaries no longer pass muster: abstraction is figurative, automatism is reflective, and happiness is apocalyptic. 

 

 

French:

 

Les peintures d’Aneta Kajzer balancent entre abstraction et figuration. À l’aide de larges brosses et de fines couches de peinture à l’huile, l’artiste mélange

et entremêle directement sur la toile ses teintes précieuses comme des bijoux

à grands coups de pinceaux audacieux. À un certain (bien qu’imprévisible) moment de sa gestuelle spontanée, un sujet se révèle. Un visage, un corps, un poisson, ou même Dark Vador, émerge des gestes de brossage et arrache la composition à l’abstraction pure, avec une apparente simplicité. Comparant son propre processus intuitif à celui d’un observateur de nuages qui trouve dans les accumulations de vapeur d’eau des ressemblances avec le monde réel, Kajzer fait apparaître, au sens propre et figuré, des créatures humanoïdes dans ce que Michel Tapié décrivait dans les années 1950 comme l’Art informel.

Les tableaux qui composent la première exposition personnelle de Kajzer chez Semiose, intitulée « Heavy Water », comprennent des grands et petits formats dont les titres donnent des indices sur l’imagerie figurative qui s’y camoufle. Dans Alien Pool (pour toutes les œuvres, 2021), une forme féminine allongée dotée d’un cou mince, de seins tombants et d’une tête en forme de champignon, semble flotter paisiblement dans une eau bleu-vert. Pour guider le spectateur vers l’être extraterrestre qui s’est révélé à elle au fur et à mesure qu’elle peignait, Kajzer a ajouté des touches, subtiles mais délibérées, de peinture rouge indiquant deux yeux, une bouche et des mamelons. De simples repères identiques – points, taches et même petites éraflures – encouragent les interprétations anthropomorphiques des œuvres. Dans Evil Twin, l’artiste a gratté de son ongle la couche supérieure de peinture de l’une des deux formes semblables à des aubergines, révélant une paire d’yeux bleus étirés, tandis que de fines touches de rose pâle suggèrent les grimaces de mécontentement des figures jumelles. Apparemment mineures dans le contexte des compositions globales, ces touches finales baptisent et cristallisent les figures vagues nées du processus automatique de Kajzer.

Si dans ces images les visages et les corps sont reconnaissables, ils semblent également frêles et précaires. Leurs traits sont si approximatifs qu’ils paraissent perpétuellement sur le point de se dissoudre dans la facture, annulant ainsi le statut figuratif du tableau. Cette instabilité visuelle est renforcée par un

singulier mélange d’humour et de mélancolie qui émane des compositions. Si

les peintures de Kajzer apparaissent au départ comme des tentatives naïves de figuration utilisant des couleurs vives et des pinceaux épais (parfois aussi larges qu’un balai), les références de l’artiste au malaise et à la liminalité ajoutent un niveau de sophistication et de profondeur. Dans Happy Holidays, deux fillettes coiffées à la manière de la princesse Leia semblent plongées jusqu’au cou dans un océan trouble, tandis qu’un minuscule soleil vert acide les éclaire à travers un ciel boueux. Les filles sont mignonnes, mais il y a clairement quelque chose qui cloche. Leurs visages larges et leurs yeux perçants rappellent la nature diabolique des jeunes protagonistes déviants du peintre Yoshitomo Nara, inspirés par les films d’animation japonais. Le soleil malade et le fait que les filles semblent sur le point de se noyer confèrent un caractère lugubre et inattendu

à l’expression apparemment joyeuse du titre de cette œuvre. Les peintures de Kajzer, riches de ce genre de contradictions visuelles et thématiques, décrivent un univers où les équilibres binaires ne fonctionnent plus : l’abstraction est figurative, l’automatisme réfléchi et le bonheur apocalyptique.


Of bunnies and dogs

The paintings of Aneta Kajzer

Text for the catalog "Deep Blue Purple" by Lea Schäfer

 

Aneta Kajzer’s work fascinates and disconcerts in equal measure. Strange beings, grimaces, ghosts and animals emerge within her large, colorful paintings and pull us into a diffuse emotional world. Traditional representation is suspended; the recognizable dissolves into the non-representational. What is uncanny here has long been familiar to us: the cute tips over into the grotesque, the mysterious into the creepy and the beautiful into the hideous. Some aspects overwhelm the viewer, bringing them face to face with the human emotions of moments of embarrassment, shame and failure (Fantásia, 2020). Others stand like a riddle, drawing on popular sayings, or the visual language of comics or manga (Auge um Auge, 2020). Wherever the viewer begins, they are confronted with a form of painting that opens up unknown visual worlds and yet deals with that which is closest: with being human.

The artistic process begins in the first place with the painter herself. Her method is determined by and through her body and is akin to a performative act. In an intuitive and open working process Kajzer lays down multiple paint layers on the canvas in generous applications of acrylic and oil, smearing, mixing or scraping extra paint away. She invariably works on multiple pieces at the same time. That her works are considerably bigger than she herself is serves partly to allow a continual shifting in her physical relationship to the painting. It also forces her to work on canvases from all sides as they lie on the ground. Within the active process the hand is often operating faster than the eye and head are able to guide it. Though the initial, more graphic marks are often engulfed by the abundance of material that follows, certain points of the paintings offer a fascinating view into the underlayers of paint, such as in Katz und Maus (2020). This rejection of perfection – the accidents and losses of control are wanted – fuels the ongoing dialog between the allowing of the informal gesture and the reflective “seeing something in it”. Strong complementary contrasts remain, and out of the interplay between figuration and abstraction arise depictions of faces, heads, bodies and their parts, and strange hybrid beings, as in Aufbruch (2020). In smaller works Kajzer is able to create an atmosphere of familiarity and intimacy. These individual glimpses into the joys, weaknesses and fears of the figures allow us to tap into familiar experiences and feelings. Every animal lover will be reminded of the loving affection between pet and owner when looking at As Long As I Got My Pet (2020). In Baby (2020) we recognize the defenselessness of a newborn, initially only able to live through complete dependence on the mother. Finally, Burn Out (2020) reminds us that complete emotional exhaustion has become a mass phenomenon of the 21st century.

 

It is the perpetual struggle of the ambivalence between painterly application and incidental figuration and its narratives that drives Kajzer in her artistic work. On the one hand she creates enigmatic creatures, on the other she draws on schemata of simple recognition of the forms of humans and animals in order to formulate commentaries, both humorous and serious, on the relationships between society, human and animal. The paintings are multilayered, with the result that their surreal colors convey a palette of mixed feelings. The great strength of her paintings is that they also function as painterly constructions. In this way her artistic investigation is always simultaneously an analysis of the medium of painting as well as her own physical and psychological existence as a body, a woman and an artist.

 

 

German: Von Häschen und Hunden

Über die Malerei von Aneta Kajzer

Text für den Katalog "Deep Blue Purple" von Lea Schäfer

 

Die künstlerische Arbeit von Aneta Kajzer fasziniert und befremdet gleichermaßen. Auf großen, farbstarken Gemälden erscheinen seltsame Wesen, Fratzen, Geister und Tiere, die uns in eine diffuse Gefühlswelt hineinziehen. Die traditionelle Repräsentation ist aufgehoben, Erkennbares löst sich im Ungegenständlichen auf. Das Unheimliche daran ist uns längst vertraut: Das Niedliche kippt ins Groteske, das Geheimnisvolle ins Gruselige und das Schöne ins Hässliche. Manches übermannt die Betrachtenden und konfrontiert sie mit menschlichen Gemütszuständen in Momenten der Peinlichkeit, der Scham und des Scheiterns (Fantásia, 2020). Anderes steht wie ein Bilderrätsel vor ihnen, bedient sich an Sprichwörtern oder der Bildsprache des Comics oder Mangas (Auge um Auge, 2020). Wo auch immer die Betrachtenden beginnen, er sieht sich einer Malerei gegenüber, die unbekannte Bildwelten eröffnet und doch vom Allernächsten handelt: vom Menschsein. 

Der künstlerische Prozess setzt zunächst bei der Malerin selbst an. Ihre Arbeitsweise ist durch ihren Körper bestimmt und gleicht einem performativen Akt. In einem intuitiven und offenen Werkprozess legt Kajzer mehrere Farbschichten in großzügigen Setzungen in Acryl- und Ölfarbe auf der Leinwand an, vermischt sie oder trägt Farbreste von der Leinwand ab. Sie arbeitet stets an mehreren Werken zur gleichen Zeit. Zum Teil sind ihre Arbeiten erheblich größer als sie selbst, sodass sich ihr körperlicher Bezug zum Bildträger stets wandelt und sie gezwungen ist, die Leinwände liegend und von allen Seiten zu bearbeiten. Oftmals agiert die Hand im aktiven Prozess schneller als Auge und Kopf sie führen können. Bisweilen verschlingt die Materialfülle die ersten zeichnerischen Setzungen, doch faszinieren einzelne Stellen mit einem Durchblick auf untere Farbschichten, wie in Katz und Maus (2020). Diese Absage an Perfektion, die Zufälle und Kontrollverluste sind erwünscht – sie befeuern den ständigen Dialog zwischen dem Zulassen der informellen Geste und dem reflektierenden „Etwas-darin-sehen“. Es bleiben starke Komplementärkontraste, aus denen sich aus dem Wechselspiel zwischen Figuration und Abstraktion die Darstellungen von Gesichtern, Köpfen, Körpern, ihren Teilen und merkwürdigen Mischwesen, wie in Aufbruch (2020), erheben. Auf den kleineren Formaten vermag es Kajzer, eine Stimmung von Vertrautheit und Intimität zu erzeugen. Diese individuellen Einblicke in die Freuden, Schwächen und Ängste der Figuren lassen uns selbst an bekannte Erlebnisse und Empfindungen anschließen. Jede*r Tierliebhaber*in wird sich in As Long As I Got My Pet (2020) an die liebevolle Zuneigung zwischen Haustier und Tierbesitzer*innen erinnern. In Baby (2020) erkennen wir die Schutzlosigkeit eines Neugeborenen, das zunächst nur in völliger Abhängigkeit von der Mutter lebensfähig ist. Letztlich mahnt Burn Out (2020) an, dass die vollkommene emotionale Erschöpfung zu einem Massenphänomen des 21. Jahrhunderts geworden ist.

 

Das ständige Ringen um Ambivalenzen zwischen malerischer Setzung und zufälligen Figurationen und ihren Erzählungen treibt Kajzer in ihrem künstlerischen Werk an. Sie schafft einerseits rätselhafte Kreaturen, greift andererseits auf Schemata einfacher Wiedererkennung von Mensch und Tier zurück, um humorvolle bis ernsthafte Kommentare zum Verhältnis von Gesellschaft, Mensch und Tier zu formulieren. Die Gemälde sind vielschichtig, sodass ihre unwirkliche Farbigkeit eine Palette gemischter Gefühle überträgt. Die große Stärke von Kajzers Malerei ist, dass sie zugleich als malerische Setzungen funktioniert. Damit ist ihre künstlerische Auseinandersetzung immer zugleich Selbstbefragung sowohl des Mediums der Malerei als auch über die eigene körperliche und psychische Existenz als Körper, Frau und Künstlerin. 


 

Text by Silke Hohmann

 

When Aneta Kajzer steps in front of one of her canvases, which are sometimes significantly larger than she is, she begins to paint without any given intention or theme. Her figures and forms reveal themselves to her during the process, and she then finds new responses to the things that have presented themselves.


In this ongoing dialogue with her emerging imagery Kajzer alternates between planned and intuitive gesture. Always a painter to the core, she produces highly confrontational situations between figuration and abstraction: For example, how can one use such a loaded and pathos-laden color like Prussian blue without summoning a cliché? Can something as rough as a strong, wide brushstroke become something as delicate as a glimmer? And do two dots and a cucumber-like object automatically make a face?


Kajzer attempts to break down clarity and allow ambivalence to take hold. But ambivalence never means indecision. Just the opposite, everything about Kajzer’s paintings speaks to an immense decisiveness, or even the willful precipitation of disharmony and unease. “Sometimes,” she says, “I myself have to learn how to tolerate it.” Tolerating, producing contradictions and things that remain unresolved – and just letting them be.

 

Having trained her eye with comics and animations in her youth, Kajzer knows that anything cute is never far removed from the grotesque, and that something disgusting or scary can quickly become funny or even ridiculous. Even her choice of color is based on information already contained within the color itself – and she intuitively develops strategies for challenging this. For example, she tends to use light skin colors more in the depiction of animals than people, a rose color becomes a “fuck-you-pink” and in her work, as a fellow artist recently described.


Kajzer considers herself a feminist artist, without adhering to any obvious or ostensible agenda. Even when she was a student at the art academy, she formed collectives with other female artists and organized festivals and exhibitions in a project space, creating conditions that are considered desirable but are all too rarely practiced in the art world: explicitly placing value on the participation of women and paying participants or lecturers fairly.


To this extent, one can read certain social concerns into her images: diversity, contradiction, allowing the coexistence of the irreconcilable, and allowing this tension to spark new aesthetic or conceptual propositions.

 

 

German:

von Silke Hohmann

 

Wenn Aneta Kajzer vor ihre Leinwände tritt, die teils erheblich größer sind als sie selbst, beginnt sie ohne gezieltes Vorhaben oder Thema. Ihre Figuren und Formen teilen sich ihr zunächst erst während des Entstehungsprozesses mit, worauf sie wiederum neue Antworten findet.

 

In diesem fortgesetzten Dialog mit der eigenen Bildfindung wechselt Aneta Kajzer zwischen planvollem und intuitivem Gestus. Immer ganz und gar Malerin, erzeugt sie sehr konfrontative Situationen zwischen Figuration und Abstraktion: Wie kann man zum Beispiel eine so aufgeladene, pathetische Farbe wie Preußischblau einsetzen, ohne das Klischee zu bedienen? Kann etwas Grobes wie ein breiter kräftiger Pinselstrich zu etwas Zartem werden wie einem Glimmen? Und sind zwei Punkte und ein gurkenförmiges Objekt schon ein Gesicht?

 

Aneta Kajzer versucht, Eindeutigkeiten zu zerschlagen und Ambivalenzen zuzulassen. Dabei heißt Ambivalenz hier nie Unentschlossenheit, im Gegenteil: Alles an Aneta Kajzers Bildern zeugt von einer großen Entschiedenheit, sogar vom mutwilligen Herbeiführen von Disharmonien und Unbehagen. „Manchmal“, sagt sie, „muss man es selbst lernen, das auszuhalten.“ Aushalten, Gegensätze und Unauflösbarkeit zu erzeugen und sie stehen zu lassen.

 

In ihrer Jugend geschult an Comics und Zeichentrick, weiß Aneta Kajzer, dass das Niedliche immer ganz nah am Grotesken ist, und dass das Abstoßende, Gruselige, auch schnell zu etwas Witzigem oder sogar Lächerlichen werden kann. Selbst ihre Farbwahl trifft sie anhand der Informationen, die der Farbe bereits innewohnen – und entwickelt intuitiv Strategien, wie man diese auflösen könnte. So findet man helle Hauttöne bei ihr eher in tierischen Darstellungen als bei menschlichen, und Rosa wird bei ihr zu einem „Fuck-you-Pink“, wie eine Künstlerkollegin kürzlich bemerkte.

 

Aneta Kajzer versteht sich als feministische Künstlerin, ohne dass sie in ihren Gemälden eine sichtbare, vordergründige Agenda verfolgen würde. Bereits an der Akademie fand sie sich mit anderen Künstlerinnen zu Kollektiven zusammen, veranstaltete Festivals und Ausstellungen in einem Projektraum und stellte jene Bedingungen her, die meistens als wünschenswert erachtet, aber im kreativen Bereich viel zu selten umgesetzt werden: Sei es, dezidiert auf weibliche Beteiligung wert zu legen, oder, Teilnehmende und Vortragende angemessen zu bezahlen.

 

Insofern kann man in ihre Bilder ein gesellschaftliches Anliegen hineinlesen: Diversität, Widersprüche, Unversöhnliches nebeneinander existieren zu lassen, und aus dieser Spannung heraus neue ästhetische oder gedankliche Funken zu schlagen.


 

March to a different drummer

Text for the catalog "Now! Painting in Germany Today" by Carina Bukuts

 

The Cuban cha-cha-cha is characterised by the alternation of closed and open figures. At times the dancers are close together and the next moment they move apart again. Looking at the paintings of Aneta Kajzer we recognise a similar interplay. Her painting is not based on a pre-defined sequence of steps, but her technique seems to erase the boundaries between closed and open in much the same way as the cha-cha-cha. While the dance steps in Kajzer’s works vary, the beginning is always the same. In an intuitive process she starts to fill the canvas with rapid strokes of colour and then gradually feels her way towards her subject by means of those first movements. Her paintings are not subject to a preconceived idea; each brushstroke is initiated by the previous one.

 

One, two, cha-cha-cha. This movement is always a reaction to what Aneta Kajzer finds in the picture space. While some of the brushstrokes she places arouse concrete associations, which the artist then develops into figures, in other cases she paints over the original area several times until it has been completely negated and a new picture space arises. Her technique blurs the boundaries between abstraction and figuration and questions the traditional conventions of painting. The subjects behave similarly and never claim an interpretation for themselves, but are rather characterised by the interaction of opposites. Kajzer’s pictures dance between seriousness and humour, between trite concepts of beauty and the courage to create ugliness. She shows us figures whose limbs are deformed or who defy gender classification. Her works elude normative picture concepts, raise questions about the world in which we live, and show us its abysses and absurdities. Aneta Kajzer’s painting always follows its own rhythm, remains on the beat and ultimately proves that it is sometimes rewarding to march to a different drummer. 

 

 

German: Aus der Reihe tanzen

Text für den Katalog "Jetzt! Junge Malerei in Deutschland" von Carina Bukuts

 

Der kubanische Cha-Cha-Cha ist geprägt von einem Spiel aus geschlossenen und offenen Figuren. Mal sind sich die Tanzenden ganz nahe und im nächsten Augenblick lösen sie sich voneinander. Betrachtet man die Gemälde von Aneta Kajzer, erkennt man ein ähnliches Wechselspiel. Ihre Malerei beruht zwar nicht auf einer vordefinierten Schrittabfolge, doch scheint ihre Technik in gleicher Weise, die Grenzen zwischen Geschlossen- und Offenheit zu verwischen wie es der Cha-Cha-Cha tut. Während die Tanzschritte bei Kajzer variieren, bleibt der Anfang immer gleich: In einem intuitiven Prozess beginnt sie mit schnellen Farbsetzungen die Leinwand zu füllen und tastet sich mittels erster Bewegungen nach und nach an ihre Motive heran. Ihre Gemälde unterliegen keiner vorgefertigten Idee, sondern jeder Pinselstrich wird durch den vorherigen eingeleitet.

 

1-2-Cha-Cha-Cha. Diese Bewegung ist immer eine Reaktion auf das, was Kajzer im Bildraum vorfindet. Während einige Setzungen konkrete Assoziationen hervorrufen, die die Künstlerin zu Figuren ausarbeitet, malt sie in anderen Fällen mehrmals über die ursprüngliche Fläche bis diese vollständig negiert ist und ein neuer Bildraum entsteht. Ihre Technik verwischt die Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration und hinterfragt die traditionellen Konventionen von Malerei. In gleicher Weise verhält es sich mit den Motiven, die nie nur eine Deutung für sich beanspruchen, sondern von einem Wechselspiel der Gegensätze geprägt sind. Kajzers Bilder tanzen zwischen Ernsthaftigkeit und Humor, zwischen klischierten Schönheitsvorstellungen und dem Mut zur Hässlichkeit. Die Künstlerin zeigt uns Figuren, deren Gliedmaßen deformiert sind oder die sich einer geschlechtlichen Zuschreibung verweigern. Die Arbeiten von Aneta Kajzer entziehen sich normativer Bildvorstellungen, werfen Fragen nach der Welt auf, in der wir uns befinden, und präsentieren uns deren Abgründe und Absurditäten. Ihre Malerei folgt dabei stets ihrem eigenen Rhythmus, bleibt im Takt und beweist schließlich, dass es sich lohnt, ab und zu aus der Reihe zu tanzen.